És just dir que White Cube ha aterrat a Nova York amb un esquitxat. La megagaleria amb seu a Londres compta amb ubicacions a París, Hong Kong, West Palm Beach i Seül, i va obrir les seves portes aquí el mes passat amb una exposició col·lectiva d'artistes animats que el New York Times cridat una demostració de força.

Sukanya Rajaratnam de White Cube.Foto de Weston Wells / cortesia de White Cube

Signe estel·lar del 12 de juny

En les últimes dues setmanes, la galeria ha anunciat que ara representen a Richard Hunt i l'arxiu de Lynne Drexler. Startracker es va reunir recentment amb Sukanya Rajaratnam, que es va unir a l'equip de White Cube a Nova York com a director global d'iniciatives estratègiques de mercat, per saber què signifiquen aquests moviments per a la galeria i el mercat de l'art en general.

Sovint pensem que les galeries tracten artistes cridaners i emergents, però aquestes noves incorporacions a la llista de White Cube també indiquen un fort mercat per a treballs més antics. En termes generals, quin tipus de col·leccionista aposta pel tipus d'obra que ja hi ha als llibres de text d'història de l'art?

Abans era el cas que l'art coincidia amb l'edat demogràfica, però trobo col·leccionistes cada cop més joves que consideren l'art antic com una cosa que ha estat provada pel temps i té un lloc en la història de l'art. Aquests col·leccionistes tendeixen a ser reflexius sobre el que adquireixen i com l'objecte parla de les seves creences, el seu valor a llarg termini i la seva viabilitat, més que com a peça decorativa a casa seva.

Richard Hunt sempre ha tingut el suport de les institucions, amb una exposició individual al MoMA el 1971, quan només tenia 35 anys. El seu mercat també ha estat fort?

Richard no només va fer la seva primera exposició al MoMA el 1971 als 35 anys, sinó que el museu va adquirir una escultura important, Aracne (1956 ) , quan només tenia 21 anys. Al llarg de la seva vida, ha realitzat més de 150 exposicions individuals i la seva obra està ben representada a les col·leccions permanents de diversos museus importants d'arreu del país. I tanmateix, el seu mercat està poc desenvolupat i la seva representació a la galeria ha estat escassa. He dit que Richard és un gegant que s'amaga a la vista perquè la seva obra mereix ser celebrada en companyia del seu company David Smith, i dels seus predecessors, Alberto Giacometti i Julio González, tots dos influències primerenques. Aquest és, lamentablement, un altre cas de prejudici sistèmic en el món de l'art que ara s'està corregint.

Què ens pots dir de la seva primera mostra amb la galeria, que s'estrenarà a Nova York a la primavera del 2024?

L'espectacle s'inspirarà de l'espectacle del MoMA el 1971, però se centrarà al voltant Cap d'heroi (1956), que no figurava en aquella exposició. Aquesta és la peça que ho galvanitza tot, almenys des de la meva perspectiva, perquè és un homenatge a Emmett Till. Richard tenia dinou anys quan va assistir al funeral obert de Till a Chicago i només es pot imaginar què va fer això a la psique d'un jove negre. Tot i que la forma és semi-cubista, es pot veure un ull aixafat i una cara inflada, i es tracta clarament de l'horror d'aquell moment. La bellesa de l'obra de Richard és que s'enllaça perfectament amb la història de l'escultura del segle XX, però porta amb ella una narració del dolor, tant personal com col·lectiu, i el desig de llibertat concurrent. Anys de pelegrinatge (1999), l'obra que presentem a Art Basel Miami Beach, és formalment un dibuix a l'espai, però és un arada de parcer abstracte, que fa referència als orígens de la seva família com a recol·lectors de cotó a la Geòrgia rural i a la seva migració cap al nord.

Lynne Drexler sovint es descriu com a ignorada, però el mateix es pot dir de moltes dones expressionistes abstractes. Per què creus que ha estat així?

És un altre exemple del biaix que ha impregnat el món de l'art durant molt de temps. La majoria de les dones estaven relegades al paper de núvia o dona. Mireu Lee Krasner, un pintor fantàstic que va romandre a l'ombra de Jackson Pollock molt després de la seva mort i el mercat del qual fa poc que ha entrat al regne de diversos milions. El seu rècord de subhasta és inferior als 12 milions de dòlars, una fracció del que es vendrien els seus contemporanis masculins. Lynne Drexler té una història similar tot i que els seus preus de subhasta ara han superat amb escreix els del seu marit, John Hultberg. Es va conèixer i es va casar amb ell l'any 1961, l'any de la seva primera exposició individual a Nova York, i després va ser relegada al paper de ser la seva dona mentre ell bevia i feia feines. Va dir famosament: sóc la serventa d'un geni. És una meravella per a mi que continués fent les pintures feroçment belles que va fer.

Quins períodes de la seva obra són els més sol·licitats?

Es tracta d'un mercat que té menys de dos anys i, fins ara, la gent s'ha inclinat cap a la seva feina des de 1959-62. Això no és estrany, i ho hem vist amb Joan Mitchell, les dates del qual coincideixen amb les de Lynne, i el treball posterior del qual només ara ha agafat valor a l'obra anterior. En l'última ronda de subhastes de Nova York, a Gira-sol La pintura de 1990-91 es va vendre per 28 milions de dòlars, mentre que una pintura primerenca de 1959 es va vendre per 29 milions de dòlars. En el cas de Lynne, hi ha quatre dècades de material per contextualitzar a les exposicions, i cada període és brillant.

Els moviments de la galeria responen a un mercat de l'art incert? La gent vol material provat i veritable en aquesta economia?

La galeria fa trenta anys que existeix i ha superat molts cicles econòmics. És fidel a la visió de Jay Jopling, que sempre ha estat sobre els artistes. Mantenir aquesta integritat és important. Els diners sempre segueixen.

signe del zodíac del 29 de maig

Has vingut a White Cube de Mnuchin, que és conegut pels seus espectacles dinàmics de gent com Frank Stella i Sam Gilliam. Què pot fer una galeria per mantenir les obres d'art vintage fresques?

La curació és vital, sobretot quan es tracta d'obres vintage. Tot, des de l'elecció dels objectes fins a l'espaiat entre ells, i el diàleg que creen entre ells, és important per a la manera en què es percep una obra. David Hammons em va dir una vegada que una instal·lació hauria de sentir-se com un poema —la llargada de la línia, la col·locació de la puntuació, el ritme de la lectura—, tot això contribueix a com aterra.